Die Toten erwecken: William Lawes im Spiegel von Robin Pharo

Mit seinem Ensemble Près de votre oreille widmet der Gambist Robin Pharo sein neues Album Lighten mine eies dem einzigartigen Kosmos des englischen Komponisten William Lawes. Zwischen Elegien, Psalmen und Harp Consorts erkundet er die gewagten Dissonanzen Lawes’ und die fließende Grenze zwischen Wiedergabe, Neuschöpfung und Erinnerung – in einem Projekt, in dem musikalische Forschung unmittelbar zum Akt der Interpretation wird.

Sie erwähnten, dass die Entdeckung des Stücks „Music, the Master of thy Art is Dead“ der Ausgangspunkt für dieses Projekt war. Was hat Sie an dieser Elegie von William Lawes so bewegt, dass Sie sie zum Kern eines ganzen Programms machten?

Robin Pharo: Als ich dieses Stück zum ersten Mal hörte, hatte ich das Gefühl, einen mir bis dahin unbekannten, einzigartigen harmonischen Kosmos zu entdecken. Als ich mich näher mit William Lawes beschäftigte, bestätigte sich, dass seine Musik das Geheimnis ganz eigener Dissonanzen birgt, deren Wesen in diesem Stück besonders deutlich zum Ausdruck kommt. Über die Fähigkeit hinaus, ergreifende Vorhalte (Suspensions) zu erzeugen, zeigt sich hier eine große Begabung, durch Harmonie völlig neue Klangfarben zu schaffen – ein Merkmal, das sein gesamtes musikalisches Schaffen prägt. Perfekte Akkorde, die weit von den Ausgangstonarten entfernt sind, verzögerte, vorweggenommene oder bewusst vermiedene Sexten sowie heftige falsche Beziehungen prägen seine Musik mehr als die vieler anderer Musiker seiner Zeit. Zudem ist dieses Stück eine Elegie zu Ehren von John Tomkins,  den Lawes hier als „Meister der Musikkunst“ erhebt. Indem wir das Werk an den Anfang stellten, konnten wir das Konzert schwungvoll eröffnen und zugleich Lawes’ Bewunderung für seinen verstorbenen Freund würdigen.

Die CD vereint Psalmen, Lieder und Harp Consorts [eine Form der englischen Kammermusik des 17. Jahrhunderts, komponiert für Harfe, Viola da gamba und Theorbe oder Laute]. Wie haben Sie den narrativen oder emotionalen roten Faden dieses Albums durch diese so unterschiedlichen Formen aufgebaut?

R. P.: Die Konzeption eines Konzertprogramms kann mehreren Ansprüchen folgen. Für Lighten mine eyes wollte ich instinktiv eher ein ausdrucksstarkes Bühnenerlebnis als ein einfaches Konzert schaffen. Wie bei jedem anderen Programm müssen die künstlerischen Absichten daher sorgfältig ausbalanciert werden. Ich habe jedenfalls versucht, eine Form zu finden, in der keine Langeweile aufkommt. Mein Ziel war es, die Zuhörer gleich zu Beginn des Programms zu beeindrucken, während das Ende von unendlicher Zärtlichkeit geprägt ist. Tatsächlich war das Projekt bereits vor der Zusammenarbeit mit der Regisseurin Jeanne Desoubeaux und dem Lichtgestalter Thomas Coux als theatralisches Musikprojekt konzipiert. Die Möglichkeit, zwischen Psalmen, die epische Episoden aus dem Alten Testament erzählen, Theater-Arien, Liedern und reinen Instrumentalstücken zu wechseln, gab mir ein breites Spektrum an dramaturgischen Werkzeugen an die Hand.

Sie haben einigen Stücken eigene Diminutionen und Instrumentalstimmen hinzugefügt. Wo verläuft für Sie bei dieser Arbeit die Grenze zwischen historischer Rekonstruktion und Neuschöpfung?

R. P.: Seit den Anfängen des Ensembles Près de votre oreille habe ich es mir zur Gewohnheit gemacht, alle unsere Kreationen mit einem Schreibprojekt zu verbinden. Für Blessed Echoes war dies sehr wichtig, da ich basierend auf ähnlichen Fragmenten aus dieser Zeit, Bearbeitungen eines Lautenparts für zwei Gamben in einer alternativen Stimmung geschaffen habe. Für das Programm The Waves habe ich Melodien für Viola da gamba und Gesang für Klavier und Gesang übertragen. Das Eintauchen in die Komposition oder das Arrangement ermöglicht mir, einen anderen Zugang zum Programm. Dank dieses Ansatzes und der Tatsache, dass ich auch alle Stücke eines Programms kopiere (wodurch ich mich den Quellen der Stücke, Handschriften oder alten Ausgaben, annähern kann), erwerbe ich ein analytisches Verständnis, das unserer Interpretation zugutekommt. Es ist schwer zu beweisen, dass dies ein „nobler“ Ansatz ist, da man durch das Hinzufügen von Noten das Originalbild eines Werkes auch beschädigen kann.

Doch wenn man diesen Weg mit der nötigen Sorgfalt geht und versucht, die Kompositionstechniken der jeweiligen Zeit wirklich zu durchdringen, gelingt es, die Interpretation sowohl neu zu erschaffen als auch zu erweitern. Techniken der Ornamentik und Diminution waren in Renaissance und Barock allgegenwärtig. Sich diese Techniken wieder anzueignen, steigert die Qualität der Interpretation, da wir uns mit fast vergessenen Praktiken verbinden. Natürlich muss jede Komposition demütig bleiben, damit der Aspekt der „Neuschöpfung“ den Urtext nicht überlagert. Da es sich bei Lighten mine eies vor allem um Verzierungen und Arrangements von zwei Harp Consorts für Harfe und Cembalo handelt, bin ich überzeugt, dass ich behutsam und im Sinne der Originaltexte gearbeitet habe.

Das Album ist  Virgile Ancely gewidmet, der kurz vor der Aufnahme verstorben ist. Welchen Raum nimmt diese Dimension des Gedenkens in Lighten mine eies ein?

R. P.: Der Tod ist zu einem zentralen Element des Programms Lighten mine eies geworden. William Lawes ereilte ein tragisches Schicksal: Er starb mit 43 Jahren an der Front während des englischen Bürgerkriegs. Virgile Ancely, ein festes Mitglied des Ensembles und ein Freund, verstarb kurz vor der Aufnahme, im nahezu gleichen Alter, mit 42 Jahren. Die CD ist ihm heute gewidmet. Dieser Zusammenhang hat dazu beigetragen, dass ich die Regisseurin Jeanne Desoubeaux, die als Außenstehende an diesem Projekt mitgearbeitet hat, gebeten habe, einen philosophischen Prolog zum Thema Tod zu konzipieren. So kann man indirekt über Virgil sprechen, eine Verbindung zu William Lawes herstellen und die Besonderheit unserer Arbeit betonen, die darin besteht, vergessene Werke der Vergangenheit wieder zum Leben zu erwecken. Jeanne hatte die Idee, einen Text über die Toten einzubauen, die weder berühmt wurden noch Spuren hinterlassen haben. Dieser Prolog, den ich vortrage, ermöglicht ein sofortiges Eintauchen. Das Publikum versteht sofort, dass es nicht darum geht, diese ihm unbekannte Musik zu verstehen oder nicht. Dieser Text eröffnet einen Raum für Emotionen, in dem uns die Musik unabhängig von unserer Fähigkeit, sie zu verstehen, verzaubert.

Der Glanz eines venezianischen Weihnachtsfestes 

Gibt es unter all diesen Stücken von Lawes eines oder mehrere, die Ihnen besonders am Herzen liegen und die Sie unseren Lesern vorrangig vorstellen möchten?

R. P.: Ich halte Ne Irascaris Domine für eines der schönsten Stücke auf der CD. Es ist auch eines der schönsten geistlichen Werke, die ich je hören durfte. Schon die erste Phrase dieses Stücks reicht aus, um mich tief zu bewegen. Der Es-Dur-Akkord, der nach einem ausgedehnten Pedalton auf G erklingt, ist absolut erhaben und vermittelt uns auf perfekte Weise die Gelassenheit, die der Erzähler angesichts des Zorns des Herrn sucht. Auch das Ende des Psalms, in dem die Zerstörung Jerusalems beschworen wird, spricht für sich selbst. Die hohen Töne prallen in einem spektakulären Klangchaos aufeinander, bevor sie einer sehr zarten Schlusskadenz weichen. Aus instrumentaler Sicht ist es schwierig, die Fantasie William Lawes’ zu übersehen: ein grandioser Kontrapunkt, rhythmisch beeindruckend und im Finale von großer Sinnlichkeit.