Eine Geige auf den Wegen des Mittelmeers

Für ihre erste Soloaufnahme verfolgt Cristina Prats Costa eine sehr konkrete Idee: zu zeigen, wie die Musik im 17. und 18. Jahrhundert zwischen Italien, Spanien, Frankreich und darüber hinaus reiste, weitergetragen durch die Häfen, die Höfe und die reisenden Musiker des Mittelmeerraums. Rund um Falconieri, Matteis, Biber, Rebel oder Vivaldi folgt sie den Spuren einer europäischen Violinsprache in Bewegung, genährt von italienischer Virtuosität, französischer Raffinesse und iberischen Klangfarben. Doch „Spiritillo Mediterraneo“ ist auch ein Projekt der Aneignung: Die Geigerin erfindet darin für ihr Instrument Stücke von Murcia, Sanz und Nebra neu, die ursprünglich für die Gitarre komponiert wurden, und macht die Verzierung zu einem vielgestaltigen Element, das diese musikalische Reise widerspiegelt und eine feine Art bietet, zu erzählen oder zu improvisieren. In diesem Gespräch kommt sie auf dieses musikalische Mittelmeer zurück, auf ihre Recherchearbeit und auf jenen Spielraum an Freiheit, den der kleine barocke Geist noch heute zulässt, dieser lebhafte und schelmische spiritillo, der dem Album seinen Titel gibt.

Ihr Album „Spiritillo Mediterraneo“ präsentiert das Mittelmeer als einen Raum des Austauschs, in dem sich italienische Virtuosität, spanisches rhythmisches Feuer und französische Eleganz kreuzen. Wie haben Sie diese musikalische Reise zwischen diesen verschiedenen barocken Traditionen gestaltet?

Cristina Prats Costa: Als Musikerin aus Ibiza erschien mir das Mittelmeer schon immer weniger als Grenze, sondern vielmehr als Ort der Begegnung. Als ich begann, mir „Spiritillo Mediterraneo“ vorzustellen, wollte ich diese Welt des Austauschs erkunden, in der Musiker, Ideen und Stile frei zwischen Häfen, Höfen und Kulturzentren wanderten. Anstatt getrennte nationale Traditionen nebeneinanderzustellen, wollte ich eine Musiklandschaft sichtbar machen, die von ständigem Zusammenspiel und fortwährendem Dialog geprägt war. Was mich am meisten faszinierte, war die Art und Weise, wie sich musikalische Ideen über Grenzen hinweg ausbreiteten und so eine gemeinsame künstlerische Sprache schufen, während zugleich die unterschiedlichen lokalen Identitäten erhalten blieben. Die italienische Musik brachte eine außergewöhnliche Freiheit, Virtuosität und Ausdruckskraft mit. Die spanische Musik fügte rhythmische Lebendigkeit, die Energie der Improvisation und ganz besondere harmonische Klangfarben hinzu. Die französische Musik bot Eleganz, Raffinesse und ein bemerkenswertes Gespür für Gestik und Charakter. Was mich interessierte, war nicht das, was diese Traditionen trennte, sondern das, was geschah, wenn sie aufeinandertrafen. Ich habe diesen Weg entlang der Routen gestaltet, auf denen die Musik rund um das Mittelmeer und darüber hinaus kursierte. Anstatt die Werke nach modernen nationalen Kategorien auszuwählen, entschied ich mich für Komponisten, deren Leben und Musik den kulturellen Austausch widerspiegelten. Andrea Falconieri etwa arbeitete in Neapel unter spanischer Herrschaft und reiste durch Italien, Frankreich und Spanien. Nicola Matteis brachte den Glanz des italienischen Violinstils nach England und nahm zugleich französische und britische Einflüsse auf. Komponisten wie Biber, Rebel und Vivaldi zeigen, wie sich die italienische Violinsprache in ganz Europa verbreitete und an den lokalen Geschmack angepasst wurde. Ich wollte außerdem, dass das Album zwischen verschiedenen musikalischen Charakteren wechselt: virtuose Sonaten, vom Tanz inspirierte Werke, improvisierte Variationen und lyrische Arien, um ein Gefühl der Entdeckung zu schaffen, ähnlich dem, das die reisenden Musiker des Barock erleben konnten. Meine eigenen Bearbeitungen des „Fandango“ de Murcia, der „Españoleta“ de Sanz und der „Seguidillas“ de Nebra bilden wichtige Orientierungspunkte auf dieser Reise und lassen die rhythmische Energie und die ausdrucksstarken Klangfarben der iberischen Musik mit den italienischen und französischen Einflüssen in Dialog treten, die an anderen Stellen der Aufnahme zu hören sind. Im Grunde ist dieses Projekt auch zutiefst persönlich. Als spanische Musikerin fühle ich mich dem Mittelmeer nicht nur historisch, sondern auch kulturell und emotional verbunden. „Spiritillo Mediterraneo“ ist daher ebenso eine Erkundung des musikalischen Austauschs wie ein Spiegel meiner eigenen künstlerischen Identität. Letztlich geht es weniger um Grenzen als um Bewegung: darum, eine Welt sichtbar zu machen, in der Kreativität aus Begegnung, Vorstellungskraft und Dialog entstand.

Der Titel ist von Andrea Falconieris „Il Spiritillo Brando“ inspiriert: Dieser „Spiritillo“, ein kleiner, lebhafter und schelmischer Geist, wird fast zu einer Figur der barocken Vorstellungswelt. Was bedeutet er für Sie in Ihrer Art zu spielen, die Werke zu verzieren und sie miteinander in Dialog treten zu lassen?

C. P. C.: Der Titel des Albums stammt aus „Il Spiritillo Brando“ von Andrea Falconieri, und sobald ich das Stück entdeckt hatte, faszinierte mich das Wort „spiritillo„. Es erinnert an einen kleinen, schelmischen Geist, voller Energie, Fantasie und Unberechenbarkeit. Für mich ist er zur idealen Metapher für das Wesen der Barockinterpretation geworden. Was ich an diesem Repertoire besonders schätze, ist die Tatsache, dass die notierte Partitur nur ein Ausgangspunkt ist. Von Barockmusikern wurde erwartet, dass sie verzierten, improvisierten, anpassten und im Augenblick reagierten. Der „spiritillo“ steht für jenen kreativen Funken, der die Musik über das hinaus zum Leben erweckt, was auf dem Notenblatt steht. Es ist die Freiheit, eine Phrase jedes Mal anders zu gestalten, bei der Verzierung Risiken einzugehen, unerwartete Klangfarben zu erkunden und mit den Mitmusikern in einen musikalischen Dialog zu treten. Das spiegelt auch wider, wie ich das Album als Ganzes angegangen bin. Anstatt die Werke als isolierte Meisterwerke zu präsentieren, wollte ich, dass sie über Zeit, Raum und Stilgrenzen hinweg miteinander in Dialog treten. Die beschwingten Tänze von Falconieri, die virtuose Brillanz von Matteis, die Ausdruckskraft von Biber und die rhythmische Lebendigkeit des spanischen Repertoires werden so zu Elementen eines umfassenderen Gesprächs. Der „spiritillo“ ist dabei der rote Faden: ein Geist der Neugier, der Erfindungsgabe und des Austauschs, der sich durch das gesamte Programm zieht. Als Interpreten bewegen wir uns ständig im Spannungsfeld zwischen wissenschaftlichem Wissen und Spontaneität. Wir beschäftigen uns mit den Quellen, den Abhandlungen und dem historischen Kontext, doch letztlich muss die Musik im Hier und Jetzt lebendig wirken. Für mich bildet der „spiritillo“ den Schnittpunkt zwischen Wissen und Vorstellungskraft. Er ist das Element, das die historische Musik verwandelt: Sie ist nicht mehr nur etwas, das man bewahrt, sondern etwas, das man lebt, teilt und ständig erneuert.

Sie sagen ja selbst, dass Sie eigene Arrangements der spanischen Stücke erstellt haben, und die Verzierung scheint im Mittelpunkt des Projekts zu stehen – nicht als bloße Dekoration, sondern als eine Form der Erzählung. Wie weit kann man sich heute in diesem Repertoire persönliche Freiheiten nehmen und dabei dennoch seinem historischen Geist treu bleiben?

C. P. C.: Ich betrachte die historische Interpretation nicht als Einschränkung der Freiheit, sondern als ein Verständnis dafür, welche Art von Freiheit die Musiker jener Zeit erwartet hätten. Die Ornamentik ist nicht bloß dekorativ; sie ist ein wesentlicher Bestandteil der musikalischen Sprache, der den Charakter, die Erzählung und die Emotionen prägt. Dieses kreative Potenzial ist einer der Aspekte, die mich ursprünglich zur Barockmusik hingezogen haben, und es ist bis heute eine ständige Quelle der Inspiration. Von den Interpreten wurde erwartet, dass sie die Wiederholungen variierten, Diminutionen improvisierten und kreativ auf den Affekt der Musik reagierten. In vielen Fällen diente die notierte Partitur lediglich als Rahmen, aus dem eine Interpretation erwachsen konnte. Als Interpretin und Forscherin setze ich mich ständig damit auseinander, wie Kreativität und historisches Bewusstsein nebeneinander bestehen können. Ich beschäftige mich fortlaufend mit Abhandlungen, Manuskripten und überlieferten Beispielen der Verzierung, da sie wertvolle Einblicke in die Musiksprache jener Zeit bieten. Tatsächlich befasst sich meine Promotionsforschung mit der Ornamentik und den Improvisationspraktiken in der barocken Interpretation; diese Fragen stehen daher sowohl in meiner wissenschaftlichen als auch in meiner künstlerischen Arbeit im Mittelpunkt. Die historischen Quellen betrachte ich jedoch nicht als Einschränkung. Vielmehr liefern sie ein Vokabular, mit dem wir uns ausdrücken können. So wie ein Sprecher die Sprache kreativ nutzt und dabei die Grammatik beachtet, kann sich ein Interpret beträchtliche Freiheiten nehmen und dennoch dem Stil treu bleiben. Dieser Ansatz war besonders wichtig bei meinen Bearbeitungen des „Fandango“ de Murcia, der „Españoleta“ de Sanz und der „Seguidillas“ de Nebra. Anstatt diese Werke als starre Objekte zu behandeln, bin ich an sie im Geiste der Barockmusiker herangegangen, die die Musik ständig an verschiedene Instrumente und unterschiedliche Umstände anpassten. Einer der bereicherndsten Aspekte dieser Arbeit war es zu erforschen, wie Musik, die für die Gitarre komponiert wurde, durch den Klang der Geige neu erfunden werden kann. Mich hat die Fähigkeit der Violine fasziniert, eine Melodielinie zu tragen, die menschliche Stimme nachzuahmen und durch Verzierungen ein bestimmtes Gefühl oder eine bestimmte Geste zu verstärken. Für mich ist die Verzierung kein Zusatz zur Musik: Sie ist Teil ihres Atems. Sie ermöglicht es uns, das Repertoire kreativ anzugehen und zugleich mit der Ausdruckswelt verbunden zu bleiben, aus der es stammt.

Dieses Album ist Ihre erste Soloaufnahme, aber auch eine sehr persönliche Reise durch diese Repertoires. Was wollten Sie als Barockgeigerin in diesem Programm mit Ihrem Instrument zum Ausdruck bringen?

C. P. C.: Dieses Album gab mir die Gelegenheit, zahlreiche Facetten der Barockvioline zu erkunden. Was ich an diesem Instrument am meisten liebe, ist die außergewöhnliche Vielfalt seines Ausdrucks. Es kann virtuos und brillant sein, aber auch intim, stimmähnlich, verspielt, rhetorisch und zutiefst ausdrucksstark. Mit diesem Programm wollte ich diese vielfältigen Stimmen zum Klingen bringen und zeigen, wie ein und dasselbe Instrument ganz unterschiedliche musikalische Welten bewohnen kann. Einer der Aspekte, die ich an der Barockvioline am faszinierendsten finde, ist ihre Fähigkeit, die menschliche Stimme nachzuahmen. Ob in den lyrischen Passagen von Falconieris „La Suave Melodia„, im ausdrucksstarken Rezitativ von Vivaldis „Grosso Mogul“ oder in den vokalen Qualitäten der Arien von Matteis – ich wollte, dass das Instrument singt, spricht und ein Gespür für Rhetorik und Charakter vermittelt. Für mich ist das Spiel auf der Barockgeige tief mit Sprache und Erzählung verbunden. Jede Phrase hat eine Richtung, eine Absicht und eine emotionale Bedeutung. Im Laufe des Albums wechselt die Geige von einem nationalen Stil zum anderen, von einem Tanz zum anderen, von einem Gefühl zum anderen. Sie kann elegant und raffiniert, leidenschaftlich und rhythmisch, verspielt und schelmisch oder zutiefst introspektiv sein. Der Titel „Spiritillo Mediterraneo“ spiegelt dieses Gefühl der Verwandlung und der Fantasie wider. Die Geige wird zu einer Reisenden, die verschiedene musikalische Landschaften durchquert und deren Farben in sich aufnimmt. Darüber hinaus wollte ich die Geige als Instrument des Dialogs präsentieren: im Dialog mit dem Continuo, im Dialog mit den Traditionen, die dieses Repertoire geprägt haben, im Dialog zwischen Komposition und Improvisation. Mit diesem Programm hoffte ich, nicht nur die Schönheit des Instruments selbst zu zeigen, sondern auch seine Ausdruckskraft, seine Erfindungsgabe und seine Kommunikationsfähigkeit.

Bestiario: Barock in seiner wildesten Form 

Wenn Sie schließlich ein Stück als Einstieg in das Album empfehlen müssten, welches würden Sie wählen? Und welches ist Ihr Lieblingsstück?

C. P. C.: Wenn ich ein Stück als Einstieg in das Album empfehlen müsste, würde ich das „Preludio in A-Moll“ und das „Passaggio rotto. Andamento veloce“ von Matteis wählen, die aus den „Ayres for the Violin“ stammen. Abgesehen davon, dass sie wunderbare Beispiele für die Fantasie und Virtuosität von Matteis sind, gehören sie auch zu den intimsten Stücken, die ich je aufgenommen habe. Es gab nur mich, die Geige und den Hall der Kirche. Die Stille des Ortes wurde Teil der Interpretation, und die Aufnahme dieser Stücke war eine zutiefst persönliche Erfahrung. Das ‚Preludio‘ ist für mich deshalb so bedeutsam, weil es mir die Gelegenheit bot, die Verzierung auf sehr intime Weise zu erkunden. Ich habe mich dafür entschieden, die Reprise in einer vollständig verzierten Fassung zu spielen, sodass sich die Musik beim zweiten Mal anders entfalten konnte. Daraus wurde eine Erkundung der Ausdrucks- und Improvisationsmöglichkeiten, die in dem Stück angelegt sind. Für mich fängt es viele der Ideen ein, die im Kern des Albums stehen: Fantasie, Freiheit und der Dialog zwischen dem, was auf dem Blatt steht, und dem, was bei der Interpretation entsteht. Was mein Lieblingsstück angeht, würde ich wahrscheinlich mein Arrangement von Sanz‘ „Españoleta“ wählen. Es ist eines der anregendsten Stücke, die ich je bearbeitet habe, weil es mich dazu eingeladen hat, mich intensiv mit Struktur, Variation und Erzählung auseinanderzusetzen. Das Original beruht auf einem sehr einfachen, sechzehn Takte langen Ostinato-Bass, doch durch Variation, Verzierung und Wiederholung ist daraus ein über sechsminütiges Werk geworden. Es hat mir große Freude bereitet zu erforschen, wie sich die Musik organisch entfalten kann und dabei dennoch Richtung und Erzählung bewahrt. Das Stück hat sich auch über die Aufnahme hinaus weiterentwickelt. So habe ich Arrangements der spanischen Werke des Albums für kleine Besetzungen erstellt, und einer der Aspekte, die mir am meisten Freude bereiten, ist es, die verschiedenen Klangwelten und Ausdrucksmöglichkeiten zu entdecken, die sie eröffnen. Insbesondere die „Españoleta“ wurde zu einem Raum des Experimentierens und der Entdeckung, was vielleicht erklärt, warum sie mir so sehr am Herzen liegt.