Bestiario: Barock in seiner wildesten Form 

Hühner, Kuckucke, Hunde, Katzen, Soldaten, Signalhörner, wilde Tänze: Mit seiner ersten CD „Bestiario“, die im Februar 2026 beim Label La mà de guido erschien, erkundet das 2023 gegründete Ensemble Les Impertinences ein instrumentales 17. Jahrhundert, das Emotionen ohne die Hilfe von Worten auszudrücken sucht. Unter der künstlerischen Leitung des venezolanischen Geigers und Dirigenten Pablo Agudo López, der im italienischen Barock ebenso zu Hause ist wie im argentinischen Rock und den musikalischen Traditionen seiner Heimat, zeichnet sich das der historisch informierten Aufführungspraxis verpflichtete Ensemble durch eine seltene Klanggeometrie aus – zwei Streichbässe und eine Diskantstimme –, die sich sowohl für selten gespielte Repertoires als auch für originelle Arrangements eignet. Von Farina bis Biber, von der Bassvioline bis zum Requinto (einem gitarrenähnlichen Zupfinstrument) wird „Bestiario“ zum Manifest eines wilden, dynamischen und geradezu körperhaften Barock, in dem historische Quellen mit der Improvisationskunst und den Traditionen Lateinamerikas und der Karibik in Dialog treten. 

Ihre CD erkundet ein sehr freies, rohes und virtuoses 17. Jahrhundert, in dem die Instrumentalmusik versucht, Emotionen ohne die Hilfe von Worten zu vermitteln. Warum haben Sie gerade das Bild des Bestiariums gewählt, um dieses Repertoire zwischen Hühnern, Kuckucken, Hunden, Katzen und wilden Tänzen zu erzählen? 

Pablo Agudo López: Diese Musik hat mich schon immer fasziniert – das bildhafte und tierische Repertoire. Seit meiner Kindheit habe ich zu Hause versucht, das Zirpen der Grillen und das Quaken der Frösche nachzuahmen. In der venezolanischen Musik ahmen wir oft den Gesang der Vögel nach – Sperber, kleine Singvögel, Adler. Als ich zum ersten Mal Bibers „Sonata representativa“ hörte, entdeckte ich, dass es weit mehr darstellende, erzählende und programmatische Musik gab – jenseits von Vivaldis „Vier Jahreszeiten“ oder Saint-Saëns‘ „Karneval der Tiere“ – und vor allem, dass sie schon lange zuvor geschrieben worden war. Da gibt es die Kuckuckssonate von Schmelzer, „L‘ Ermafrodito“ von Uccellini, in dessen Partitur wörtlich steht: „Maritati insieme, la Gallina e’l Cucco fanno un bel concerto“, was so viel bedeutet wie „Verheiratet, geben die Henne und der Kuckuck ein schönes Konzert„, oder auch Vokalmusik wie „Le chant des oiseaux“ von Janequin. Und natürlich Farinas „Capriccio Stravagante“, das dichteste Werk und der Höhepunkt unserer CD, das noch weiter geht und eine regelrechte Satire auf das menschliche Leben sein will, indem es auch den Klang marschierender Soldaten sowie Trommel- und Signalhörner darstellt. Man könnte sogar sagen, dass es sich um eine Satire auf das Leben des Musikers jener Zeit handelt: ein einziges Werk (in der Art eines Pasticcio), das Tänze der Renaissance und Musik mit sehr gelehrtem, ernstem Kontrapunkt vereint, um dann alles sogleich mit lauten Passagen, unmöglichen Akkorden, unerwarteten Dissonanzen, spanischer Gitarre (indem die Geiger gebeten wurden, ihre Instrumente wie Gitarren zu halten und zu zupfen), Flötenklängen und so weiter zu zerbrechen. Es ist wirklich ein Abbild dessen, was ein Musiker seiner Zeit tat: Er spielte in der Messe, dann für den König, trat in der Oper auf, tanzte, improvisierte, betrank sich – und musste am nächsten Tag schon die Musik vorbereiten, die am folgenden Sonntag in der Kirche erklingen sollte! 

All das ist Teil dieser tierischen Welt, dieses Tieres, das der Mensch ist – ein sensibles und intelligentes Tier, das erschafft, aber dennoch ein Tier bleibt, inspiriert von allem, was es umgibt; denn auch Tiere erschaffen. Mit ihren Gesängen, ihren Rufen: Das war für den Menschen schon immer Musik, und stets ein Element, das in allen Künsten – in der Malerei, in der Architektur, in der Schrift – ausgiebig genutzt wurde. Der Mensch hatte schon immer dieses Bedürfnis, das, was er sieht, festzuhalten und zu veranschaulichen. Und diese Welt der Natur ist weiterhin Teil von uns, auch wenn wir sie heute zu ignorieren scheinen; die Technologie nimmt immer mehr Raum ein, gewinnt immer mehr an Macht, und wir entkoppeln uns von der Erde. Zeitgenössische klassische Komponisten versuchen, die Geräusche von Autos, Telefonen, Flugzeugen und Computern nachzuahmen, was faszinierend ist. Das Gleiche gilt für den Krieg, der im 17. Jahrhundert in der Musik vielfach dargestellt wurde. Doch es ist eine Welt, die so laut ist, dass ich die Stille vermisst habe – ebenso wie das Lauschen auf die Gesänge unserer Tierwelt, die zu uns spricht und mit uns kommuniziert; und heute, mehr denn je, müssen wir ihr zuhören. Es war für uns eine Notwendigkeit, eine Zeitreise zu unternehmen und wieder schätzen zu lernen, was noch unter uns ist und vielleicht eines Tages nicht mehr da sein wird. 

Sie legen großen Wert auf die besondere Besetzung des Ensembles mit zwei Streichbässen und separaten Generalbassstimmen – eine Klanggeometrie, die heute eher selten ist. Inwiefern verändert diese Konstellation Ihre Herangehensweise an die Arrangements und die Identität der Gruppe selbst? 

P. A. L.:  Das ist sehr interessant, denn die Beispiele aus dieser Zeit, die uns zur Verfügung stehen, zeigen uns, wie unendlich die Möglichkeiten tatsächlich sind. Die einzige Grenze schien der Himmel zu sein, was den Komponisten eine immense Freiheit bot, das Potenzial ihrer Instrumente zu erkunden. Man findet Arrangements aus dieser Zeit – bis hin zur Musik Bachs oder gar bis in die Romantik –, in denen die zweite Violine einer Triosonate für eine Viola da gamba, ein Cello oder eine andere Art von Streichbass angepasst wurde. Angesichts dieser Quellen haben wir uns gefragt: Wenn diese Musiker es gewagt haben, warum sollten wir dann nicht unsere eigenen Arrangements erstellen? Selbst wenn wir eine zweite Violine im Ensemble haben, können wir diese Besetzung mit zwei Bässen weiterhin zur Geltung bringen, wobei jeder von ihnen eine eigene Rolle erfüllt. Das wird besonders deutlich im „Amener“ der Partia III von Biber, für das ich einen diminuierten (verzierten) Basspart für die Viola da gamba geschrieben habe, während der Bass der Violine den von Biber notierten Part spielte. Das ist etwas, was ein Gambist jener Zeit spontan improvisiert hätte, wäre er in eine solche Situation geraten. Die erzielten Ergebnisse haben uns dazu angeregt, weiter zu forschen und nicht nur die extremsten Emotionen, sondern auch die Grenzen der instrumentalen Möglichkeiten auszuloten. So haben wir beschlossen, dass nicht eine Violine die zweite Stimme in Uccellinis „L’Emenfrodito“ spielen sollte. Für mich war es offensichtlich, dass Emma mit ihrer fünfsaitigen Bassvioline diesen Part übernehmen musste, um die Vielseitigkeit und Virtuosität, die sie diesem Instrument entlocken kann, voll auszuschöpfen. Diese Praxis des Arrangierens und Komponierens öffnet den Geist auf beeindruckende Weise, und wie ich bereits sagte, sind die Möglichkeiten unendlich. Und das ist erst der Anfang. 

Für Bibers „Partia III“ laden Sie auch Musiker ein, die auf die Traditionen Lateinamerikas und der Karibik spezialisiert sind, um Interpretationsansätze für die Tänze des 17. Jahrhunderts zu finden. Wie hat sich dieser Dialog zwischen lebendiger Tradition und historisch informierter Praxis konkret entwickelt? 

P. A. L.: Wir haben Sergio Valdeos und Cali Flores bei den Peñas kennengelernt, den monatlichen Musikabenden in der Librería Albatros, einem wichtigen Kulturzentrum für Spanischsprachige in Genf. Diese Abende sind der Improvisation, dem Gesang und der lateinamerikanischen Musik gewidmet. Da ich persönlich sowohl aus der Welt der traditionellen venezolanischen Musik als auch aus der klassischen Musik komme – dank meines Vaters und El Sistema [einer nationalen Orchester- und Chorinstitution in Venezuela] –, habe ich schon immer eine tiefe Verbindung zwischen dem Barock und unserer traditionellen Musik wahrgenommen. Diese Verbindung ist beständig; auch wenn viele sie nicht rational begründen können, bleibt sie dennoch eine Realität – sowohl musikwissenschaftlich als auch kulturell –, die einen festen Bestandteil unserer Identität bildet. Als wir Sergio und Cali einluden, dieses Werk mit uns zu spielen, ohne ihnen genaue Anweisungen zu geben oder ihnen Grenzen zu setzen, waren wir begeistert von ihrer Fähigkeit, es so zu interpretieren, als hätten sie es ihr ganzes Leben lang gespielt. Es schien, als sei es eigens für sie komponiert worden – wie ein utopischer Traum, der Biber und Lateinamerika vereint. Das ist der lebendige Beweis dafür, dass der Barock in Lateinamerika nach wie vor existiert. Er ist nicht zu Alter Musik oder einem unantastbaren Museumsstück erstarrt, sondern hat die Zeit überdauert und befindet sich in ständiger Wandlung. Er ist nie wirklich verschwunden. Die Vermischung der Kulturen ist barock; es ist das Zusammenleben von Kulturen, die nun ein einziges Ganzes bilden. Der Barock ist nicht nur der Einfluss, den Europa in Amerika hinterlassen hat, sondern auch der Einfluss Amerikas und Afrikas auf Europa. Es ist die Verzierung der Sprachen, die Improvisation als Identität, die Lebendigkeit der Musik, die Reise zwischen Tradition und Innovation und diese notwendige Unverfrorenheit all jener Musiker, die Bestand hatten und für immer Bestand haben werden. Für uns ist es entscheidend, unsere historisch informierte Interpretation des Barock aus unserer Sicht als lateinamerikanische Künstler zu vertreten. Dank Forschung und Vorstellungskraft können wir unseren Beitrag leisten und die Spuren unserer Identität hinterlassen. 

Im 16. Jahrhundert: Das Cembalo des chinesischen Kaisers 

Wenn Sie jemandem, der das Universum des Albums oder des Programms gerade erst entdeckt, ein einziges Stück aus „Bestiario“ empfehlen müssten, welches würden Sie wählen, um in die Atmosphäre der Platte einzutauchen? Welches ist persönlich Ihr Lieblingsstück, und warum? 

P. A. L.: Ich würde empfehlen, das „Capriccio Stravagante“ von Farina anzuhören. Es ist praktisch das Werk, das alles zusammenfasst, was wir mit diesem Repertoire ausdrücken möchten. Persönlich kann ich mich trotz aller Versuche nicht für nur eines entscheiden. Für mich sind es zwei: zum einen das „Capriccio Stravagante“ aus den bereits genannten Gründen und natürlich die „Partia III“ von Biber. Nicht nur, weil Biber einer meiner Lieblingskomponisten und neben Paganini wahrscheinlich der frechste Geiger der Geschichte ist, sondern auch, weil sie letztlich der Epilog ist, der unsere lateinamerikanische Hommage an den Barock in die Praxis umsetzt.