Die Laute: Erhabenheit und Intimität 

Begleitet von den Musikern von Il Pomo d’Oro haucht der spanische Lautenist Miguel Rincón einem ebenso raffinierten wie längst vergessenen Repertoire neues Leben ein, das in den letzten Jahrzehnten des deutschen Barock komponiert wurde. Mit vier selten gespielten Konzerten und einem bisher noch nie aufgenommenen Trio zollt er einem Instrument Tribut, das lange Zeit an den Rand gedrängt wurde, und bringt seine Stimme in all ihrer Brillanz zum Vorschein – virtuos in der Ausführung, tiefgründig im Ausdruck und sanft im Ton. 

Dieses Album bringt vergessene Konzerte für die Barocklaute ans Licht, von denen Sie hier einige zum ersten Mal aufnehmen. Was hat Sie zur Auswahl dieser Werke bewogen, und bei Ihrer Intention, der Laute wieder ihren rechtmäßigen Platz als Soloinstrument zuzuweisen? 

Miguel Rincón: Bei der Auswahl dieser Werke ging es mir vor allem darum zu zeigen, dass die Laute in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts ein außergewöhnliches Niveau an Virtuosität erreicht hatte. Sie war nicht nur ein Soloinstrument in Konzerten geworden, sondern auch ein integraler Bestandteil intimer und zarter Kammermusik, die sich problemlos mit anderen Instrumenten verständigte. Zu Hagens Werken gehören zum Beispiel Duos für Laute und Flöte oder Triosonaten mit Laute und Streichern. Über ihre technische Entwicklung hinaus wollte ich auch klar machen, wie die Laute die rhetorische Sprache der Zeit übernahm und Stile wie Sturm und Drang und die Empfindsamkeit aufnahm. Angesichts des Mangels an Aufnahmen und des allgemeinen Wissens über dieses Repertoire waren wir von Anfang an der Meinung, dass die Präsentation dieser Werke – mit einigen neuen Stücken zur Auffrischung des Programms – eine großartige Möglichkeit wäre, den stilistischen Übergang vom Barock zur Klassik deutlich zu machen. Stilistisch ist Faschs Werk vielleicht das barockste auf diesem Album, während Hagen den Sturm und Drang repräsentiert und die Laute als ein ausdrucksstarkes und vielseitiges Instrument behandelt, das mit Tonleitern, Arpeggios, Triolen und schnellen Basslinien experimentiert. Kohaut verkörpert den galanten Stil und schöpft dabei die expressiven Möglichkeiten der Laute voll aus. Kleinknecht schließlich, der am wenigsten bekannte und jüngste dieser Komponisten (er starb 1790), präsentiert eine komplexere musikalische Sprache mit verwickelten Dialogen und dynamischen Kontrasten.  

Sie beschreiben dieses Repertoire als Brücke zwischen dem galanten Stil und dem vielstimmigen Reichtum des Barock. Wie kommen diese gegensätzlichen Einflüsse in den Stücken auf dem Album zum Ausdruck? 

M. R.: Wie gesagt war es eines meiner Ziele, die Virtuosität zu demonstrieren, die die Laute im späten 18. Jahrhundert erreicht hatte. Um das zu veranschaulichen, haben wir eine Auswahl von Stücken zusammengestellt, die eine Reise von der barocken Sprache bis hin zu aufstrebenden klassischen Stilen nachzeichnet. Und bevor ich das Repertoire festgelegt habe, studierte ich einige neu entdeckte Werke Kleinknechts, darunter Solosonaten, die sehr anspruchsvoll für die Laute geschrieben sind, aber dennoch idiomatisch für das Instrument. Tatsächlich ist sein Lautenkonzert wohl das ambitionierteste Stück des Albums, sowohl was die technische Schwierigkeit als auch die Länge angeht. Und einmal mehr zeigt sich ihre stilistische Vielfalt: Faschs Konzert bleibt tief in der barocken Tradition verwurzelt, während Hagens Werk dem Sturm und Drang huldigt und die Laute als virtuoses Instrument mit vielfältigen Ausdrucksmöglichkeiten behandelt. Kohaut steht für die galante Ästhetik und macht sich die einzigartigen Klangqualitäten der Laute zunutze. Kleinknechts Musik schließlich, die modernste in dieser Auswahl, zeichnet sich durch komplizierte kontrapunktische Texturen und ständige dynamische Kontraste aus. 

Sie treten hier mit Il Pomo d’Oro auf, in einem Rahmen, der sowohl intim als auch virtuos ist. Wie lief diese Zusammenarbeit? 

M. R.: Es war absolut fantastisch-entspannt, mühelos und genau die Art von Atmosphäre, die ein Solist bei einer anspruchsvollen Aufnahmesession braucht. Ich hatte schon früher viel mit Il Pomo d’Oro gearbeitet (und tue dies auch weiterhin!), wir kennen uns also sehr gut. Dadurch fühlte sich der gesamte Prozess natürlich und fließend an. Ich glaube, es ist uns gelungen, den Kontrast zwischen der Erhabenheit des orchestralen Moments und dem intimen Freiraum zu schaffen, den die Laute braucht. Obwohl jeder Part nur einfach besetzt war, ist das Ergebnis dennoch ein satter, voller Klang. Und von Anfang an wollte ich auch, dass die Anwesenheit der anderen Musiker einen eigenen Sinn hat – nicht nur als Begleitung der Laute, sondern als echte Gesprächspartner. Wir haben auch die Tempi lebendig gehalten, um ein Gefühl der Spannung aufrechtzuerhalten.