Musikbekenntnisse eines jungen Mädchens im 17. Jahrhundert

Die Stimmen von Julie Roset, Camille Allérat und Ana Vieira Leite (das Ensemble La Néreide), erwecken in der  im August erschienenen Aufnahme Le cœur et la raison zum Leben. Das Album zeichnet das Portrait einer Pensionärin des Maison Royale de Saint-Louis bekannt als Pensionnat de Saint-Cyr, die, zwischen Inbrunst und Begierden hin- und hergerissen, in zwischen Profanem und Sakralem changierenden Airs de cour und Motetten aus dem 17. Jahrhundert, ihr Leben beschreibt. Mit Emmanuel Arakélian an der Orgel, Salomé Gasselin an der Viola da gamba und Miguel Henry an der Theorbe.

Wie haben Sie den Kontrast zwischen coeur et raison – Herz und Vernunft – in der musikalischen Inszenierung der Platte umgesetzt?

Julie Roset: Um die beiden Dimensionen, das Herz und die Vernunft, voneinander zu unterschieden, haben wir uns für unterschiedliche Repertoires entschieden: die Hoflieder verkörpern den Ausdruck des Herzens, während die Miserere die Strenge der Vernunft veranschaulichen. Diese Unterscheidung kommt auch in der Instrumentierung zum Ausdruck: Viola da Gamba und Theorbe, die mit dem profanen Register assoziiert werden, verleihen den Stücken eine besondere Intimität, während die Orgel, die dem sakralen Repertoire vorbehalten ist, eine feierlichere Ernsthaftigkeit repräsentiert.

Camille Allérat: Wie Julie sagt, das Repertoire selbst führt zu dieser Dichotomie: Subtilität ist sowohl eine Frage des Gegensatzes als auch der Übereinstimmung, denn diese Aspekte sind alle in einer einzigen weiblichen Figur vereint. Die Geschichte, die wir erzählen möchten, handelt davon, wie es jedem und jeder von uns gelingt, im Laufe des Lebens so unterschiedliche Empfindungen miteinander in Einklang zu bringen, mit allem, was dies manchmal an Schmerzen oder großer Freude mit sich bringt. 

Ana Vieira Leite: Wir wollten diesen Zweispalt auch in den visuellen Aspekten der Platte und des Werbematerials zum Ausdruck bringen: für das Herz eine helle und sanfte Welt, die zum Träumen über die Liebe einlädt. Für die Vernunft eine nächtliche und mysteriös Atmosphäre, die zur Spiritualität aufruft. Um die Verbindung herzustellen, umgeben vielfältige Blumen die Gesichter und Körper, und symbolisieren all diese Aspekte zugleich: Erwachen der Sinnlichkeit, Romantik, Reinheit, Andacht, Freude und Zartheit.

Die Platte stellt raffinierte Airs de cours und ihre von Pater François Berthod adaptierte sakrale Parodie gegenüber. Was bringt dieser Wechsel zwischen Profanem und Sakralem Ihrer Meinung nach für die Hörer?

Julie: Ich finde es großartig, dass Vater Berthod die Airs de cours so sehr liebte, dass er beschloss, die Texte neu zu komponieren – was eben zu geistlichen Parodien führte. Auf diese Weise sorgte er dafür, dass jeder die Schönheit dieser Musik genießen konnte, während er Texte sang, die mit den Werten der Kirche im Einklang standen. Man kann sagen, dass dies eine clevere und wohlwollende Art war, musikalischen Genuss und Spiritualität in Einklang zu bringen, und deshalb haben wir geistliche Melodien verwendet, um eine Brücke zwischen dem Heiligen und dem Profanen zu schlagen.

Camille: Dieses Verfahren der geistreichen Parodien hat auch etwas Ironisches an sich: Meiner Meinung nach kommt die Sinnlichkeit, die Pater Berthod den Airs de cour vorwarf, nicht nur in den Texten zum Ausdruck, sondern auch in der Musik selbst. Es ist erstaunlich, was man beim Hören oder Singen dieser Lieder empfinden kann! Ich bin mir daher nicht sicher, ob das Ersetzen der ursprünglichen Texte durch angeblich angemessenere wirklich die starke Liebesmelancholie dieser Stücke vergessen machen kann, sondern ich habe eher den Eindruck, dass es sich um eine Möglichkeit handelte, vor der Kirche und den königlichen Instanzen, die für das gute Benehmen der Bewohner von St-Cyr verantwortlich waren, den Schein zu wahren.

Ana: Allgemeiner gesagt ermöglicht die Zusammenführung zweier theoretisch gegensätzlicher Repertoires auf einer einzigen CD meiner Meinung nach dem Zuhörer ein abwechslungsreicheres und zugänglicheres Hörerlebnis. So kann man sich von den extremen Dissonanzen des Miserere von Clérembault mitreißen lassen, dann die Hell-Dunkel-Kontraste der weltlichen Arien genießen, bevor man sich wieder in die nie aufgenommenen Seiten des Miserere von Lalouette vertieft … Es war uns wichtig, ein möglichst breites musikalisches Spektrum anzubieten und gleichzeitig dieser an Meisterwerken so reichen Epoche treu zu bleiben.

Was möchten Sie den Hörern mit dieser Platte, die introspektiver und dramatischer ist als die vorherige Luzzaschi: Il concerto segreto, vermitteln?

Julie: Geschichten rund um Frauen zu erzählen, liegt uns sehr am Herzen. So haben wir uns kennengelernt und beschlossen, das Ensemble rund um Clérambaults Miserere zu gründen und dieses Werk in den Mittelpunkt unseres Albums zu stellen. Musikalisch ist dieses Programm tiefgründiger und weniger leicht als das von Luzzaschi, das den Frühling und die Gefühle der Liebe heraufbeschwor. Hier erkundet Le Cœur et la Raison eine tiefere Intimität mit Werken, die uns die Möglichkeit bieten, eine andere, nuancierte Vokalität zur Geltung zu bringen.

Camille: Ja, es war das Miserere von Clérambault, das 2019 das Zusammentreffen unserer drei Stimmen ermöglichte und zur Entscheidung führte, La Néréide zu gründen. Für uns ist diese CD also das Ergebnis eines seit langem bestehenden gemeinsamen Wunsches und mehrjähriger Arbeit. Über das Teilen dieser erhabenen Musik hinaus repräsentiert diese zweite Platte also auch das Teilen eines großen Teils unserer Identität als Ensemble!

Ana: Zusammenfassend lässt sich sagen, dass wir mit diesem zweiten Album sowohl unsere Liebe zu dieser so zarten, kostbaren und doch so intensiven französischen Musik zum Ausdruck bringen wollen als auch die Geschichte dieses jungen Mädchens erzählen, das wir zu verstehen versuchen: Da Liebe etwas vollkommen Universelles ist, glaube ich, dass sich jeder mit ihren inneren Konflikten identifizieren und beim Anhören dieser Platte sehr persönlich mitfühlen kann.

Welches Stück illustriert Ihrer Meinung nach am besten die existenzielle Notlage, in der sich das thematisierte Mädchen befindet?

Julie: Meiner Meinung nach spiegeln der letzte Titel des Albums, Laisse-moi soupirer, sowie Sombres déserts perfekt die Verwirrung dieses jungen Mädchens wider, das zwischen seinen tiefen Gefühlen und dem strengen Umfeld, das es umgibt, hin- und hergerissen ist. In Sombres déserts sucht sie Zuflucht in der Natur, um Buße zu tun, denn die menschliche Welt verstärkt die Gefühle, die sie quälen. Laisse-moi soupirer ist eine letztes Flehen des Mädchens an die Vernunft, an ihr Umfeld, ihe Zeit zu geben, ihre ersten Gefühle zu erleben und sich selbst zu entdecken.

Camille: Ich finde, dass es einen echten Bogen zwischen dem ersten und letzten Titel des Albums gibt, von denen Julie gesprochen hat. Der erste Titel, Je ne sais pas ce que je sens, steht für mich am meisten für diese Verwirrung, die wir alle einmal empfunden haben, als wir uns verliebt haben, diesen völligen Verlust der Orientierung, der zugleich der größte Schmerz und die größte Freude ist. Ich würde sogar sagen, dass der Titel schon alles sagt!

Clérambault mit zwei Gesichtern 

Ana: Es stimmt zwar, dass die Melodien besonders ergreifend sind und direkt ans Herz gehen – was natürlich dadurch unterstützt wird, dass sie auf Französisch sind -, aber ich finde, dass das Miserere von Clérambault, aber auch das von Lalouette, die existenzielle Zerrissenheit unseres jungen Mädchens sehr gut zum Ausdruck bringen. Musikalisch wird das durch die starken Dissonanzen in beiden Partituren und die teilweise sehr fröhlichen Passagen dieser Stücke deutlich. Auch die liturgischen Texte sprechen von diesem Gegensatz: zwischen der flehentlichen Bitte um Vergebung im Miserere mei Deus [„Erbarme dich meiner, o Gott”] und dem Wunsch, Freude zu finden, im Auditui meo dabis gaudium et laetitiam [„Du wirst meinen Ohren Freude und Glück schenken”], kann man auch die tausend Farben der menschlichen Emotionen mit den Fingern greifen.